UNIVERSO COTIDIANO

Conferencia Magistral: La historia de Lisboa.

TITULO: LA HISTORIA DE LISBOA

Año: 1995

Duración: 100 min.

País: Portugal

Director: Wim Wenders

Guión: Wim Wenders 

Música: Madredeus & Jürgen Knieper

Fotografía: Lisa Rinzler

Reparto: Rüdiger Vogler, Patrick Bauchau, Teresa Salgueiro, Vasco Sequeira, Manoel de Oliveira

Productora: Coproducción Portugal-Francia-Alemania; Road Movies / Filmproduktion

Género: Drama

Basicamente y muy a grandes rasgos el filme gira en torno a un cineasta alemán llamado Friedrich (Patrick Bauchau), quen pide uno de sus colegas y amigos, ingeniero y especialista en sonido (Rüdiger Vogler), que se reúna con él en Lisboa para la grabación de una película, la cual es prácticamente muda y pretende hacerlo con una vieja cámara de manivela. La cinta comienza con una serie de postales apiladas, entre ellas se encuentra una de ellas con esta petición que simula un S.O.S de atención inmediata, así que sale de inmediato para encontrarse con él. Al llegar a la ciudad de Lisboa se da cuenta de que su amigo y director ha desaparecido, lo único que le deja, es un conjunto de cintas con imágenes carentes de sonido. 

Es así como este ingeniero en audio recorre feroz e incansablemente las calles de Lisboa grabando y recolectando los sonidos que hacen falta para completar y complementar el filme.

La historia parte de la fascinación que tiene el director por la ciudad de Lisboa y por el gusto que despierta en él un grupo denominado Madredeus, a quienes decide incluir dentro de su cinta, dándoles un importante lugar y brillo.   El resultado es sencillo, efectivo y sin duda alguna logra conmovernos, divertirnos, entretenernos y cautivarnos.

A mi parecer lo realmente significativo de este filme se encuentra inscrito dentro de la expresividad de sus imágenes y ambientes, es toda una experiencia contemplativa que va mucho más allá del argumento de la película. Se nota que el director es fanático de la poesía y la música, es hermosa la manera en la que logra una correspondencia de tonos y colores de principio a fin, utilizando amarillos y azules nos brinda acentos luminosos o proyectar sombras dramáticas, todo esto para adecuar la escena y ligarla con los sonidos, dentro de una ciudad que parece ser una de las protagonistas que más brillan y cautivan.  La película se desplaza y se desenvuelve frente al espectador de manera sumamente relajada, fluye sin problemas y no parece estar para nada forzada. El lenguaje de sus imágenes es muy cercano y humano, no está exagerado o sobre producido, aunque cabe destacar que sus fotogramas son simplemente asombrosos.

Estos elementos ayudan a crear ese vínculo, la cercanía que es capaz de atrapar y sumergir al espectador dentro de esta metáfora cinematográfica que gira en torno a esta ciudad llena de guiños al pasado, de ambientes que atrapan, de escenas que son capaces de resonar con quien las mira y despertar sus sentimientos.

Sin duda alguna los sonidos de la ciudad, el coleccionista de los mismos, La voz y melodías que entona la cantante, todo esto en su conjunto, direcciona y marca las pautas dentro del camino, son el eje conductor primordial, luego están los contrastes entre los tonos cálidos en amarillos y los fríos en azul, que nos acompañan en todo momento y están siempre presentes, correspondencias constantes y siempre a cuadro. Esta película es una clara referencia que homenajea al CAMERA MAN, alude a toda esta construcción a partir de ambientes conformados mediante estas metáforas visuales. Se busca destacar la personalidad y brillo único de la ciudad, de reflejar y construir una identidad a partir de ello. Se manejan varios FADE IN Y OUT, a veces se inscriben las imágenes dentro de un circulo y se marcan los cambios de escena, otras ocasiones se utiliza este mismo recurso para direccionar la mirada del espectador y focalizarla en cierto punto o detalle.

Salen a relucir de manera constante reflexiones que se centran en las particularidades que conforman un lugar, lo que brinda esa esencia e identifica frente al resto, todo esto a partir de imágenes y sonidos que nos ayudan a adentrarnos en la historia, a vivir y a experimentar todo cuanto acontece frente a nuestros ojos. La historia logra conmovernos y demuestra tal cual se dice en la pelicula que los sonidos también brillan.

Magistral 2: El Hombre de La Cámara.

Película: El Hombre de La Cámara.

Director: Dziga Vertov.

Año: 1929

La película comienza como un experimento que tiene la intención de alejarse de la literatura y del lenguaje teatral. A mi parecer aunque de cierta manera si logra su cometido de percibirse menos exagerada y teatralizada su cercanía con la literatura es innegable, ya que se apoya y sustenta de principio a fin en elementos propios de la lingüística y la retórica, además de que usa varias alegorías y metáforas para apoyarse y construir su discurso.

La primera secuencia de la película nos muestra al hombre de la cámara y a una gigantesca cámara, que invade la toma con su exagerado e irreal tamaño, grandiosa y omnipresente, se erige desde el centro y parece observarlo todo, se representa a ambos dentro de un mismo plano. El hombre de la cámara es la presencia que controla, manipula y da vida a esa máquina, y la enorme cámara parece dotar de cualidades fuera de este mundo a ese individuo, le brinda al ojo humano el poder de ver más allá de sus capacidades, es así como se consolida y nace un ente fusionado: la cámara-hombre, nada se escapa de su mirada, juntos observan desde lo alto, todo lo que sucede en la ciudad.

La segunda secuencia gira en torno a un teatro, esta comienza y retrata los preparativos necesarios para la proyección  del filme del hombre de la cámara. De entrada parecería que se introduce al espectador a este ambiente a manera de ambientación descriptiva del espacio propio de la sala de proyección, de enseñarnos y mostrar los elementos y características, sin embargo a medida que avanza la escena las imágenes mostradas comienzan a mostrar tintes subjetivos que se alejan de la realidad, pues el teatro parece cobrar vida propia, los asientos se bajan a voluntad, como alistándose para recibir al público, casi como si el teatro despertara para invitar a los espectadores a la experiencia del cine, pareciera que es el mismísimo teatro quien recibe y coloca al público en su interior. Mientras esto sucede podemos ver al hombre de la cámara operando y manejando la proyección del filme. También se muestra al director de orquesta, se representan por medio de planos a cada uno de los instrumentos, en espera de las órdenes del mismo para poder iniciar la ambientación musical.

En la tercera secuencia podemos ver como la cámara va acercándose a una ventana, como si se tratara de un voyerista que desea echar un pequeño vistazo. Al mismo tiempo se puede ver como se encuentra la ciudad, hay una mujer que yace plácida sobre su cama, mientras tanto varios indigentes duermen en la calle, pareciera que la ciudad entera se encuentra dormida profundamente, en una letanía de la cual no desea despertar, es una imagen visual, una metáfora que parece comparar a esta mujer con la ciudad, transformándola en la representación de la misma ciudad.

Más adelante se nos presentan las partes que conforman a esta mujer, podemos observar parte de su brazo y mano, una parte de su espalda y torso, el espectador puede deducir esto por las delicadas y suaves formas, las delgadas cejas y el cabello. Es como si se buscara generar cierta expectativa  a través de mostrar estas partes del personaje.

Se muestran negocios y locales cerrados, a indigentes durmiendo, todo esto nos transporta e indica que estamos viendo las primeras horas de la mañana, a posteriori se muestra como el hombre de la cámara es recogido por un auto, que parece llevarlo a recorrer la ciudad, como si se tratara del inicio de una búsqueda de imágenes, para retratar la vida cotidiana y capturar la movilidad, el ánima, la esencia y el corazón de la ciudad.

Con la imagen de un tren se marca el inicio de las labores y el momento de despertar. La mujer despierta al mismo tiempo que la ciudad. Después se muestra como la cámara cambia de ojo. El hombre de la cámara coloca un lente más grande, parece ser algo parecido a un telefoto, como si estuviéramos frente a la sorpresiva aparición de un ojo fílmico, capaz de llevarnos más cerca, de adentrarse aún más, se llena casi que el cuadro entero, se muestra a un ojo observando a la gente.

Se sigue mostrando a la mujer en paralelo con la ciudad, ambas se bañan y se secan, la mujer se limpia el rostro y se seca, abre y cierra sus ojos de esta misma manera se simulan estos movimientos al mostrar como dentro de la ciudad se abren y cierran unas persianas. A mi parecer esto también hace referencia a la apertura del ojo, que se prepara para observar y adentrarse a esta ciudad. El hombre de la cámara continúa su viaje, llevando la cámara a sitios donde el ojo humano no puede llegar, buscando nuevas presas para este grande y poderoso ojo. Podemos observar aviones que inician el vuelo, la entrada y salida de camiones y autos también. Finalmente se despierta y empieza a moverse la ciudad.  

Aparece frente a nosotros el ojo dentro de la lente, se consolida un nuevo ser, el lente y ojo se fusionan y se vuelven uno mismo, dando lugar a un ojo más efectivo y potente, es el nacimiento de una mirada sin límites, se retrata esta idea futurista e innovadora, que alude a la sensación que se despierta a través del descubrimiento y la experiencia que se alcanza cuando se unen máquina y humano. Para concluir con la secuencia, se despiertan los indigentes y la ciudad se encuentra viva y en movimiento, aparece una leyenda que cierra la escena y deja ver claramente la metáfora que compara y liga a la mujer con la ciudad de San Petersburgo.

Todos los espacios vacíos o cerrados ahora se encuentran habitados, las fabricas están llenas de movimiento y acción, las puertas se abren, todos los personajes y elementos pareciera que se mueven más rápido de lo normal como queriendo adelantar el tiempo para que finalice el día y llegue de nuevo la hora de descansar y reposar. Podemos observar multitudes de personas que vienen y van. Se compara el movimiento del tren y el movimiento del hombre de la cámara, cuando este baja sobre una carroza.

Más adelante el director decide congelar varios de los fotogramas, como si fueran pausas en las que se detiene el tiempo, se muestra a una mujer dentro de una fábrica con máquinas, ella va pegando estos fotogramas uno tras de otro, a la vez que se hace referencia a estas imágenes se marca el inicio de movimiento de la ciudad, justo cuando comienzan a mostrarse estas imágenes cada vez más rápido y se retoma el ritmo original.

Una vez más el hombre de la cámara tiene su cámara fija sobre la ciudad, disminuye el  ritmo de la película, esto nos indica que algo está próximo a suceder. Nada puede escaparse a este ojo-lente, las personas entran y salen a voluntad, el matrimonio que se casa es presa de este gran y poderoso ojo. La cámara y la ciudad se comunican y están enteradas de todo lo que sucede. Más adelante junto con el divorcio, y el hombre, se muestra claramente cómo se fragmenta la ciudad. Se muestra a varias personas, mujeres, que ocultan su rostro, se alude y se hace referencia a la muerte y a lo trágico.

Poco después se muestra el nacimiento de un bebe y otra mujer contrayendo matrimonio  como queriendo nivelar lo descrito anteriormente, dando un respiro al espectador y dejando entre líneas que todo es cíclico, que la vida se reinicia y que hay esperanzas al final de reencontrarse con una posibilidad y sitio mejor en algún momento.

Tras ese incidente podemos nuevamente avistar al hombre de la cámara, solo que esta vez se encuentra disuelto entre la ciudad que ahora se encuentra dividida, está acomodando su cámara, preparándose para filmar algo nuevo.

Los flujos bruscos de multitudes de personas o maquinas en movimiento parecieran aludir al flujo que se vive al medio día en las ciudades, cuando están totalmente funcionando: despiertas. Más adelante se muestra a la cámara solo por momentos, como para recordarnos que sigue presente, retratando y recopilando lo que sucede en la ciudad, como testigo de los sucesos de la cotidianidad humana. Se compara el trabajo humano y el trabajo de las máquinas, como si se tratara de una competencia para descubrir quien posee el mejor rendimiento. Se pueden observar telefonistas, empacadoras de cigarrillos, mujeres maquillándose, una máquina de escribir, un hacha a la cual le están sacando filo, bomberos alistándose, un pianista, se compara a la humanidad con una multitud de hormigas que se desplazan a un ritmo acelerado, se retrata la vida urbana, el hombre de la cámara nos lleva hasta las raíces, a las profundidades que cimientan esta agitada urbanización. Nos introduce a las minas, nos lleva con los obreros que construyen los túneles, a las calderas, el agua que se desplaza, la cámara se levanta en una plataforma, una vez más se refuerza esta idea de permanencia y de alcance sin límites, no hay nada que pueda esconderse de la cámara.

Más adelante se cambia de nuevo el ritmo de la película, la cámara nos muestra otro lado de la humanidad, la playa, lo bohemio, el entretenimiento, la diversión el espectáculo en las calles, el deporte, es como si se detallara y describiera cada uno de estos momentos, para marcar la aparición de los mismos, instantes de evidencia. Se utilizan movimientos más pausados y lentos, como para mostrarnos estas escenas con mayor detenimiento. Más adelante se equiparan los movimientos de un carrusel, de bailarinas y deportistas, se acelera de nuevo el ritmo y se retrata de manera paralela el movimiento.

Se presenta de nuevo el hombre de la cámara sobre la ciudad, como si se tratara de un dios colosal por encima de todo y de todos. Y también se retrata un jarro de cerveza, el líquido se escurre, la cerveza, el barman y las mesas, se retrata la soltura, la borrachera y la fiesta. Por momentos pareciera que esta pierde su estabilidad.

Se nos muestra por medio de una secuencia de stop motion a un tripie acercándose al maletín de la cámara, y como esta se posa sobre la misma, para llevarnos de regreso al teatro donde se proyectó la película, una vez más se hace referencia y se refuerza la imagen metafórica de la cámara-hombre, de cómo esta cobra vida y lleva a las capacidades humanas a paramos insospechados. Los verdaderos espectadores de esta magia somos todos  aquellos que estamos fuera de la cinta, que somos testigos de esta aparición y sorpresiva revelación. Por ultimo las imágenes se alejan de la realidad, esta puede manipularse a diestra y siniestra, a voluntad de la cámara, las imágenes dejan de retratar la realidad, se crean nuevas posibilidades, se da paso a la última secuencia de la película, aparece nuevamente el lente-ojo y una leyenda que dice: puedo estar en todo lugar y puedo observarlo todo.

 Es muy interesante la manera tan singular en la que el director dispone las imágenes, el uso de agilizar, congelar y alentar la manera en la que nos muestra las imágenes para hacer referencias temporales dentro de la película, y como construye esta narrativa a partir de comparaciones y relaciones paralelas entre sujetos, elementos, objetos, escenas y momentos a lo largo de cada una de las secuencias. Como va construyendo un sólido y claro discurso a través de este juego de imágenes que retratan la novedad, la intensidad y la fuerza de lo que significo en aquel momento el poder crear un nuevo lenguaje, alejado del mero retratar de lo cotidiano, dando lugar al nacimiento de nuevas vetas y posibilidades expresivas y comunicativas.

Magistral I : Koyaanisqatsi.

Película: Koyaanisqatsi

Guión: Ron Fricke, Michael Hoenig, Godfrey Reggio, Alton Walpole

Año: 1983 Duración: 87 min.

Origen: USA

Director: Godfrey Reggio

Banda sonora: Philip Glass

Koyaanisqatsi es un antiguo vocablo que proviene de los indios Hopi, se usa para expresar o entenderse como: “la vida fuera del equilibrio”.

Según las profecías Hopi al excavar las riquezas de la tierra estamos invitando, provocando y acercándonos a un inminente desastre y por otra parte describe que a medida que nos acercamos al día de la purificación se formaran telas de araña que abarcaran el planeta de un extremo a otro, finalmente algún día sera arrojado del cielo un receptáculo de cenizas que calcinaran la tierra y evaporaran los océanos.

Es alrededor de esta idea como se construye la película, en esta se trama y construye un escenario narrativo a partir de imágenes, se apoya en una técnica cinematográfica que consiste en acelerar las imágenes hasta crear un verdadero efecto de inmersión, dinamismo, llenando de vértigo al espectador hasta adentrarlo en un loop y una atmosfera muy particular, lo cual se logra de manera muy sencilla con el apoyo de la magnífica banda sonora del maestro Phillip Glass.

En la película se sustituyen las telarañas de la antigua Araña descritas dentro de la profecía de los Hopi por el hombre moderno, el caos que deviene y pertenece a la humanidad, su insaciable capacidad destructiva y avallasadora, la manera en la que moldean el espacio y lo adaptan a su antojo, ya sea erigiendo inmensos edificios y rascacielos, elevando fábricas, perforando la tierra, tejiendo cables que recorren y abrazan sus ciudades.

Toda la primera parte de la película podría compararse con la sensación que podría devenir si el hombre fuera capaz de volar y surcar los cielos, es un recorrido visual lleno de majestuosas y grandiosas escenas que retratan la belleza natural de la tierra.

La película está cargada de elementos que demandan la atención del espectador, busca provocarnos, nos relaja y a su vez nos sacude, todo esto por medio de su narrativa audio-visual, por medio de este infalible y efectivo dúo logra adentrarse y conectarse con las fibras más profundas de la existencia humana, casi que se comunica a un nivel instintivo, que nos revela nuestra parte más animal y despiadada, retratando los extremos más radicales y nuestro lado más oscuro. 

Es sin lugar a dudas una poderosa metáfora que expone de manera drástica y dramática lo que hemos hecho con el mundo que habitamos, donde reina el caos y el desequilibrio, donde convivimos con una naturaleza que nos ama y nos nutre a pesar de nuestros continuos ataques, es un grito, una advertencia, una llamada de atención, busca generar conciencia, de despertar a esta humanidad, de poner un alto a esta destrucción que parece no tener fin.

Antecedentes de La Historia del Cine

Mucho antes de la llegada del cine  aparecieron diversos y múltiples aparatos y maquinas que tenían la función de entretener a chicos y grandes, estos son algunos de los juguetes o inventos pre-cinematógrafo que inspiraron y dieron paso a la aparición del cine como lo conocemos ahora.

Uno de los primeros es la denominada linterna mágica, tenía un solo lente y consistía en proyectar una imagen pintada a mano sobre una placa de vidrio en un lienzo o soporte blanco. También existía el teatro de sombras, que trataba de aludir el movimiento de la vida real a partir de las sombras proyectadas de objetos superpuestos o combinados o haciendo figuras entrelazando brazos y manos. A medida que van avanzando los años y que van descubriéndose más datos sobre el funcionamiento del ojo, alrededor del siglo XIX, comienzan a gestarse nuevas formas de entretenimiento y de mecanismos para el estudio de los ojos, la mirada y la visión. En la ciencia es descubierta la llamada persistencia retiniana y con  ella surgen una serie de aparatos e inventos tales como, el zootropo, traumatropo, fenakistiscopio, praxinoscopio, todos ellos ayudaron y comprobaron de manera sustancial este peculiar descubrimiento.

Estos inventos y aparatos utilizaban una técnica muy similar a usadas para la realización de películas de dibujos animados, todo esto se lograba dibujando una secuencia de imágenes con un claro movimiento, que al ser mostrados rápidamente nuestro cerebro las registra como una serie de imágenes continuas , aunque en realidad están separadas, dando con esto la impresión de estarse moviendo. Aunque podría parecer que estos pequeños juguetes eran solo cosa de niños, no cabe duda alguna que muchos de estos formaron parte de la vida y la infancia de muchos de estos grandes inventores. No solo les dieron horas de entretenimiento sino que también los inspiraron y nutrieron de deseos por ir mas allá, de dotar de “vida y movimiento” a lo estático. Es claro que màs adelante darían paso al descubrimiento del proyector de películas y a la cinematografía tal cual la conocemos, fueron parte de los orígenes y cimientos.

Otro invento conocido con el nombre de Kineógrafo, patentado por John Barnes Linnet, y que lleva por significado imagen en movimiento, es lo que se toma como el primer flipbook de la historia, este suceso tuvo lugar en septiembre de 1868, ya que fue la primer secuencia lineal de imágenes, a diferencia de la circular (usado en el fenaquisticopio). Más adelante en 1894, un pionero dentro del cine Aleman conocido como Max Skladanowsky mostraría por vez primera un flipbook elaborado únicamente por medio de imágenes fotográficas. En 1895 Desarrollaría su propio proyector de cine al lado de su hermano Emil.

Otro de los grandes y más destacados inventores de la época fue  Thomas A. Edison responsable de la construcción del primer flipbook mecanizado denominado  mutoscopio, a través de un cilindro rotativo central se montaban diversas paginas a manera de libro, en aquella época se colocó como una de las atracciones más populares inclusive llego hasta mediados del siglo veinte, como  una máquina operada a base de coins o monedas en los parques de diversiones.

A medida que surgían más inventos, crecían los deseos de científicos, investigadores, , astrónomos, curiosos, visionarios, genios y estudiosos. Eran muchos los que ansiaban poder dotar de mayor movimiento y realismo a las imágenes, ya no solo bastaba con capturar el momento y atesorarlo, ahora era posible animar lo estático, era sorprendente visualizar frente a los a nuestros propios ojos a una serie de dibujos o fotografías, era una secuencia, una narrativa, una fábula, un cuento. Todo se mostraba de manera más completa y sencilla.

Estos continuos descubrimientos y deseos fueron parte de lo que motivo a Muybridge, quien logro fotografiar el recorrido de un caballo galopando, para esto monto una serie de cámaras oscuras, 24 en total, alineadas y dispuestas en línea recta, usando placas de colodión húmedo, obteniendo una secuencia del movimiento de las patas de un caballo desde el arranque como durante el recorrido, vislumbrando la manera correcta de representación del mismo, cuestión que llego ha modificar La manera en la que se pintaba dentro del campo del arte. Un filósofo contemporáneo a Muybridge llamado Marey trato de llegar a resultados similares,  a diferencia de Muybridge exploro otras maneras de dar solución a dicho problema, utilizando una sola cámara adaptándola con un rollo de película Kodak logro fotografiar y capturar, realizando varias exposiciones sobre la misma toma, una secuencia desplegada de movimiento, como si fuera una estela con principio y final, una imagen que mostraba el desplazamiento del objeto retratado.

Era cada vez más inminente que pronto darían con el hilo negro, con el camino indicado y con los elementos necesarios para lograr reproducir, ya fuera a partir de imágenes o fotografías, secuencias de imágenes en “movimiento”, faltaba poco para el nacimiento del cinematógrafo.  

Aunque fueron muchos los lugares donde se proyectaron los distintos films, ninguno llego a tener el reconocimiento y el éxito que alcanzaron los hermanos Lumiere, a ellos se les acuña el término del cinematógrafo, y son muchas las cintas que se rescataron, se dice que muchas se perdieron o se dañaron. Sus películas solían ser muy sencillas, sin una temática o narrativa muy elaborada, mostraban la vida cotidiana y lo chusco de la misma, iban más enfocadas a lo cómico, burdo  y directo.

Plauteau, Reynaud y Stempfer son los encargados de introducir movimientos de cámara más audaces, arriesgados y creativos, dotados de mayor expresividad, surge la profundidad de campo, que es el ZOOM in o out dentro del cuadro, o los famosos paneos, vistas laterales, con esto se logró una mayor flexibilidad, emotividad, dinamismo y realismo a las cintas. Más adelante se pone mayor atención, trabajo y cuidado en los sets de grabación, en la escenografía y vestuario. 

Un buen ejemplo de esto se da con las cintas de Méliès, quien lleva sus conocimientos y experiencia teatral a la pantalla grande, dotando sus films de una narrativa más cuidada y estructurada, expresiones más exageradas y dramáticas, efectos más sorprendentes e historias más ricas visualmente, incluso llega a llevarnos a visitar la luna o al fondo del mar.

La Cámara oscura y la Càmara Lúcida.

La base física en la que se fundamenta y se da respuesta al funcionamiento de la cámara oscura podría relacionarse o sustentarse en el efecto pinhole, término acuñado por el científico ingles David Brewster, el cual conlleva la formación de imágenes invertidas provocadas por la luz al momento en que esta viaja a través de un pequeñísimo orificio. Estos principios se encargan de dar origen a inventos y descubrimientos tales como la cámara oscura, la cámara lucida y devendrían en versiones actualizadas y pulidas de las cámaras fotográficas actuales, desde sus inicios y hasta nuestros días, estos aparatos no solo han ayudado al entendimiento y comprensión de la incidencia de la luz sino también a la manera en que operan nuestros ojos e incluso nuestro cerebro con relación a las imágenes y el mismo hecho de observar. Gracias a estos estudios e investigaciones tenemos conocimiento de fenómenos como el de la persistencia retiniana, el cual fue comprobado y desmenuzado a profundidad por personalidades como Newton y el Caballero d’Arcy en los siglos XVII y XVIII.

Este fenómeno o imperfección visual fue descubierta por Peter Mark Roget, quien básicamente expuso que una imagen es capaz de permanecer en la retina humana aproximadamente una décima de segundo antes de desvanecerse por completo. Lo cual, a través de diversos estudios logro demostrar que la realidad podía percibirse  por medio de una secuencia de imágenes ininterrumpidas en la que se podía calcular fácilmente la distancia y  velocidad de desplazamiento de los objetos a nuestro alrededor. Si no existiera esta cualidad tan peculiar se dice que veríamos nuestro entorno como una sucesión de imágenes estáticas e independientes. 

A Plateau se le atribuye el descubrimiento de que el ojo humano es capaz de ver con una cadencia equivalente a 10 imágenes por segundo. En dicho planteamiento, las imágenes se superponen en la retina, para después ligadas o secuenciadas por nuestro cerebro, dando como resultado una sola imagen visual y en movimiento “continuo”. De aquí surge el supuesto de que el cine se apoyaba y hacia uso de este artilugio o imperfecto visual en aras de provocar dicho efecto y proyectando 24 imágenes por segundo, lo cual permite que nuestro cerebro genere la ilusión de movimiento. 

En la pantalla chica o también llamada televisión consta de 25 fotogramas por segundo. Por eso es innegable que tanto la cámara oscura como la cámara lucida contribuyeron al descubrimiento de las imágenes en movimiento, son las bases y fundamentos que abrieron el panorama y permitieron el nacimiento del cine y la televisión.

Linterna Mágica

Tanto en la mayoría de las cámaras fotográficas, la cámara oscura e inclusive en nuestro propio ojo existe la participación de elementos para poder enfocar la imagen, en nuestra cámara usamos el objetivo y en el caso del ojo humano el cristalino.

Como dato curioso cabe mencionar que existe una variante de la cámara oscura, denominada cámara estenopeica que opera única y exclusivamente a expensas del efecto pinhole (luz que cruza a través de un pequeño orificio) para sacar fotos, y no utiliza ningún tipo de lente.

También existen referencias a este tipo de cámaras desde la antigüedad de la mano de Aristoteles dentro de su obra problemas, se cree que él fue de los primeros en experimentar con la que muy probablemente haya sido la primera cámara oscura de la que se tiene referencia, explica cómo es que si se hace un pequeño orificio en la pared de un cuarto oscuro, en la pared contraria se obtienen imágenes invertidas del exterior.

Más adelante este procedimiento seria rescatado y reutilizado nuevamente por Leonardo da Vinci al igual que por otros tantos artistas del renacimiento para poder trabajar la perspectiva de la manera más efectiva.  Se pintaron imágenes del exterior en el interior de cámaras (habitaciones) oscuras.

Uno de los personajes que acuñan este término y hace referencia a estos grandes cuartos y da la raíz del termino de cámara es Kepler (1571-1630).  Al debemos que hoy se le denominen cámaras fotográficas y no cajas fotográficas. Inclusive se dice que  para poder realizar dibujos topográficos y la ilustración de paisajes Kepler diseño una cámara oscura portátil. Esta tenia el aspecto de una tienda de campaña, de forma cónica, con una especie de periscopio giratorio y lentes y espejos distintos permitían proyectar la imagen sobre una mesa horizontal, sobre la cual uno podía dibujar fácil y cómodamente.

Para concluir podríamos decir que básicamente las diferencias más significativas que existen entre la cámara oscura y la cámara lucida residen en la manera particular en la que operan, en los elementos que se utilizan y participan en cuestión, en el caso de la Cámara oscura (CO) es un fenómeno más mecánico, que depende únicamente de la cantidad de luz, del tamaño del orificio por el que pasa la misma, y de la proyección invertida de la imagen del exterior. En cambio la Cámara lucida (CL) implicaba un trabajo de montaje, de entendimiento y comprensión del fenómeno e incidencia de la luz, de poder manipular y hacer uso de los distintos lentes y/o espejos, además de la vista, para ir copiando y dibujando. Era más talacha e implicaba un mayor componente de variables humanas.  

Cámara Obscura

Cámara Lúcida

Es evidente que los procesos particulares en la construcción, operación, reproducción y comprensión que estos 2 descubrimientos representaron dentro del dibujo, la fotografía, la ilustración, el ámbito artístico, la ciencia, la copia del paisaje y la realidad,  todo esto fue sin duda parte de lo que cimentó y provoco el descubrimiento de las imágenes en “movimiento” y de lo que más adelante se denominaría la magia del cine.